La historia de Frida Añez en Carabobo a partir de 1950

Este blog nos narra la historia de una mujer que marcó de forma única la cultura en Valencia, Estado Carabobo entre 1950 y 2000

9 de febrero de 2014

Referentes arquitectónicos al borde del colapso. Edificios, construcciones y monumentos entregados al descalabro. Un paisaje a punto de sucumbir, anhela subsistir ante los embates del tiempo y el espacio. Ojalá alguien hiciera eso mismo con la Valencia de los 50 y la actual...Sería maravilloso

La urbe hipotética de Medina

La muestra "Futuro Pasado Presente" inaugura mañana en Carmen Araujo Arte.

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El creador venezolano construye una Caracas ficticia sobre fórmica y cerámica (Georgina Svieykowsky)
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JESSICA MORÓN |  EL UNIVERSAL
sábado 8 de febrero de 2014  
Referentes arquitectónicos al borde del colapso. Edificios, construcciones y monumentos entregados al descalabro. Un paisaje a punto de sucumbir, anhela subsistir ante los embates del tiempo y el espacio.

Daniel Medina (Caracas, 1978) recurre a elementos urbanos para esbozar un panorama fantástico. El artista visual yuxtapone imágenes de un pasaje cotidiano y las proyecta en un futuro inmediato. "Cuando pensamos en Caracas siempre imaginamos el retrato de una urbe a futuro, pero cuando la recordamos en el presente quisiéramos volver al pasado", dice el creador venezolano que inaugura mañana la muestra FuturoPasadoPresente en la galería Carmen Araujo Arte, ubicada en la Hacienda La Trinidad.

La exposición contempla 'fotografías' de una metrópoli donde los puntos cardinales no están distantes. Un lugar geográfico donde el este y el oeste se fusionan y hasta se comunican en un mismo terreno. En sala, una serie de grabados sitúa el Obelisco de Altamira frente a la parroquia 23 de Enero, el Helicoide junto al Hotel Humboldt y La estatua de la libertad resguarda la cárcel de Tocuyito. "Porque las ideas mutan a través del tiempo. Las necesidades que propiciaron la construcción de nuestros monumentos vienen de un deseo utópico. Hay obras que más bien surgieron por capricho del Estado", comenta el también pintor egresado del antiguo Instituto de Estudios Superiores de Artes Plásticas Armando Reverón.

Siete monumentos plasmados sobre papel de algodón (mediano formato) y dos sobre fórmica (gran formato), intentan perpetuar el recuerdo de una urbanidad impoluta en la memoria. "Utilizo la técnica del grabado en un intento por simular el hecho de tatuar o imprimir algo en tinta indeleble, para que no se consuma en el tiempo y quede condenado al olvido", explica el escultor que cursó también estudios en la Escuela de Artes Visuales Cristóbal Rojas.

"Los trabajos de Daniel Medina terminan acusando a través del juego, la realidad en la que vivimos. En una ciudad que (re) construimos imaginariamente para negar el caos", reseña Ricardo Sarco Lira en el catálogo de la muestra.

El creador construye una Caracas idealizada sobre fórmica y cerámica. Medina evoca el carácter no perecedero del material sobre el cual esboza su boceto de ciudad. "Este es mi paisaje ficticio, repleto de posibilidades. Con espacio para reconstruir y desconfigurar", concluye. 

jmoron@eluniversal.com

31 de enero de 2014

Gabriela Rangel notó "accidentalmente" en un viaje de trabajo a París "un conjunto de fotografías de extraordinario interés y calidad que el maestro desdeñaba por considerarlas un trabajo de juventud..Nada había pasado con aquellas fotos tomadas entre 1940-1970.

Nueva York verá a otro Cruz-Diez

Americas Society expone la faceta fotográfica del artista venezolano.

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El artista retrasó su viaje a Nueva York por la ola de frío (Andrés Correa G.)
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ANDRÉS CORREA GUATARASMA |  ESPECIAL PARA EL UNIVERSAL
jueves 30 de enero de 2014  
Nueva York.- Gabriela Rangel notó "accidentalmente" en un viaje de trabajo a París "un conjunto de fotografías de extraordinario interés y calidad que el maestro desdeñaba por considerarlas un trabajo de juventud. Insistí que hiciera algo con ellas, pues a mi juicio se trata de un cuerpo complejo que se ha marginalizado por prejuicios. Además de ser un excelente fotógrafo, Carlos Cruz-Diez resolvió el "problema" del color en las Fisicromías (1959) a través del estudio de procesos óptico químicos de la fotografía".

Rangel organizaba entonces para la Americas Society de Nueva York la exposición Carlos Cruz-Diez: (In)formed by Color (2008), con Estrellita Brodsky e Isabela Villanueva, "la primera muestra individual dedicada a la exploración cromática emprendida por el artista desde los años 50. Fui expresamente a París a revisar el archivo que aún no había sido ordenado con criterios profesionales ni se había constituido la Fundación Cruz-Diez", recuerda hoy la curadora venezolana.

Nada pasó con aquellas fotos tomadas entre 1940-1970 hasta que en 2013 "Cruz-Diez vino a Nueva York para presentar una muestra en una galería comercial. Me contó que había publicado el libro con las fotografías y me adelantó que mostraría los materiales en Caracas".

Aquella exhibición, Cruz-Diez en blanco y negro, presentada a propósito del cumpleaños 90 del artista, llega a Manhattan del 4 de febrero al 22 de marzo, revisada y ampliada por Rangel.

-¿Qué diferencia la muestra en Caracas de ésta?

-La curaduría que propuse se centra en el mapeo etnográfico realizado por él en los años 1940 de festividades populares y celebraciones folklóricas venezolanas como los Diablos de Yare y El Velorio de Cruz de Mayo. Y la relación de dicho registro con el discurso realista de la pintura de corte social que en algún momento le interesó y que desechó por la abstracción. También incluí paisajes, pues forman parte del mismo mapeo y su codificación pictórica.

-¿Qué objetivos motivaron su curaduría?

-Me interesaba la mirada documental de Cruz-Diez sobre lo propio, cuyo propósito no fue otro que encontrar una nueva definición para la identidad venezolana ante cambios producidos por un proceso de modernización abrupto. Esta operación formó parte de una importante discusión generacional, hoy olvidada por negligencia historiográfica, iniciada por Arturo Uslar Pietri y sostenida por Juan Liscano, Aquiles Nazoa y el grupo de artistas y escritores del Taller Libre de Arte, adscrito al Ministerio de Educación y fundado por el cubano José Gómez Sicre durante la presidencia de Gallegos, y que sobrevivió hasta el comienzo de los años 50. 

Agrega Rangel que aquella "discusión, tan oportuna hoy para entender el hiato de la Venezuela del presente con la modernización y su lógica, fue opacada por la irrupción del grupo Los Disidentes, el Proyecto de Integración de las Artes, la dictadura de Pérez Jiménez, etc. La curaduría incluye un conjunto de copiasvintage producidas por Cruz-Diez en la época 1940-1950 y la presentación de sus álbumes originales, libros incunables, pinturas, ilustraciones y dibujos, cuya función es contribuir a la elaboración de un contexto historiográfico para las fotografías. Las copias nuevas de exhibición fueron supervisadas por Cruz-Diez en el taller de su hijo Jorge, en Panamá".

Entre esos detalles destaca que "trajimos una pintura figurativa inacabada y varios dibujos tópicos, también el libro Concurso de Cuentos de El Nacional(1953) con dibujos realistas suyos que ilustraban textos de Uslar Pietri y Carpentier, entre otros escritores".

-¿Qué define al Carlos Cruz-Diez fotógrafo?

-Él se formó como pintor en la escuela de artes plásticas y la pintura realista está presente en su construcción de la imagen fotográfica de los años 1940 a 1953.

-¿Qué opina del estado actual del Museo Carlos Cruz-Diez en Caracas?

-No he ido al museo en mucho tiempo, pero me han dicho que cuenta con un equipo que se distingue del resto por su profesionalismo. No puedo opinar porque es difícil ir a museos en Caracas dado que el sector de las artes visuales ha sido puesto en último lugar por las autoridades actuales, que aprecian más la música.

-¿Cómo es el día a día de trabajo con Cruz-Diez?

-Mi relación con él es de afecto, admiración y respeto. Es uno de los artistas más lúcidos, centrados y consistentes que he conocido. Su humildad desarma ante tanta vanidad de gente sin atributos, y su delicadeza conmueve. Mi mejor anécdota con él fue en París, cuando me mostró con orgullo cómo instruyó al propietario del bar de la esquina de su casa para preparar los caraqueñísimos sándwiches "pepitos". Ese es Cruz-Diez, un adorable caraqueño trasplantado a Europa.

acorrea@eluniversal.com

16 de enero de 2014

Retrato de George Dyer hablando, que el artista irlandés pintó en 1966, su época dorada, fue exhibida en los años 60 en varios museos franceses y británicos y se convertirá en el primer retrato de Bacon que sale a subasta en una década.

Christie's subasta el que podría ser el retrato más caro de Bacon

"etrato de George Dyer hablando" que el artista irlandés pintó en 1966, su época dorada, se convertirá en el primer retrato de Bacon que sale a subasta en una década.

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EL UNIVERSAL
miércoles 15 de enero de 2014  
Un retrato de Francis Bacon (1909-1992) en el que representa a su amante, George Dyer, será subastado el 13 de febrero por la casa Christie's de Londres y podría convertirse en la obra del artista más cara nunca antes subastada ya que se espera que alcance los 30 millones de libras (49,3 millones de dólares).

Retrato de George Dyer hablando, que el artista irlandés pintó en 1966, su época dorada, fue exhibida en los años 60 en varios museos franceses y británicos y se convertirá en el primer retrato de Bacon que sale a subasta en una década.

Según informó hoy Christie's, la obra fue vista por última vez en el Reino Unido en una exposición en Londres en 1967.

La última puja de una obra de Bacon, quien empezó a pintar cuando tenía 20 años, fue en el año 2000 en Nueva York, donde se vendió un retrato por 4 millones de libras (6,5 millones de dólares).

El retrato, de dos metros de alto y que utiliza tonos rojizos y lilas, es un homenaje al amante y musa del artista, George Dyer, en el que el protagonista aparece en una habitación sentando en una silla bajo una luz.

"Estamos contentos de exhibir el cuadro en Londres para su subasta, que presentará una oportunidad fantástica para los coleccionistas de todo el mundo", según Francis Outred, jefe de la sección de arte contemporáneo de postguerra de Christie's Europa.

Bacon conoció a su amante en otoño 1963 en el barrio londinense del Soho y desde ese momento se convirtió en sujeto de la mayoría de sus obras, incluyendo este retrato.

Yo me instalé en Caracas en 1955. Comencé a trabajar con mi hermano arquitecto, Graziano Gasparini, haciendo fotografía de la arquitectura venezolana. Él me introdujo en ese ambiente cultural que era muy vivo y pujante en esos años. Carlos Raúl Villanueva estaba terminando la Ciudad Universitaria, el Museo de Bellas Artes estaba bajo la dirección de Miguel Arroyo, sonaba el fotógrafo Alfredo Boulton... eran los años de la modernidad. Hoy ese interés de hacer de Venezuela una potencia, se ha perdido.

ENTREVISTA PAOLO GASPARINI, FOTÓGRAFO

"Ahora el socialismo está en los museos"

"Ahora el socialismo está en los museos, la fotografía en el supermercado del arte y las fotos en las subastas" PAOLO GASPARINI

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El Museo Reina Sofía de Madrid adquirió días atrás 24 de sus fotos contenidas en el libro "Para verte mejor América Latina" GUSTAVO BANDRES
JESSICA MORÓN |  EL UNIVERSAL
miércoles 15 de enero de 2014  12:00 AM
Un olor a tabaco conduce el camino, escaleras abajo, hacia la casa de Paolo Gasparini (Gorizia, Italia, 1934). Los habanos, al igual que las fotografías, los atesora en cajas. Sólo que las que contienen imágenes están ordenadas por color y debidamente identificadas. Tiene alrededor de 500, en las que alberga algún retrato de Gertrude Goldsmith (Gego) y de Alejandro Otero. 

Cientos de negativos forman parte de esa bóveda de imágenes en la que ha convertido su hogar tras recorrer, cámara en mano, México, Argentina, Cuba, Brasil y Venezuela, entre otros países de Latinoamérica. Y todos están acompañados por un recuerdo tangible del periplo emprendido: miniaturas precolombinas, vasijas de cerámica azteca, flores de papel traídas del DF (México).

Desde un sofá cubierto con tapetes guatemaltecos y cojines forrados de molas panameñas ofrece esta entrevista. La conversación todavía no inicia y los disparos provenientes de la cámara del fotógrafo de El Universal retrasan el encuentro en el que el artista visual ítalo venezolano comienza diciendo: "¡Ma, no me saquen tantas fotos que me pongo nervioso!", suelta con su acento italiano.

"Como todo fotógrafo, no me gusta que me tomen fotos", explica el creador, que en 1955 se instaló en Venezuela, donde comenzó a trabajar como fotógrafo de arquitectura con ayuda de su hermano, el arquitecto Graziano Gasparini. 

Acto seguido rememora una frase de su autoría, escrita sobre una suerte de collage fotográfico situado frente al sillón: "¿Ves por qué te digo que la cámara siempre agrede? Es una máquina destructora, como un cañón", dice el autor del fotolibro Para verte mejor América Latina publicado en 1972 por la editorial siglo XXI en México y reeditado en cuatro oportunidades. "Este libro se ha vuelto famoso. Para la época recuerdo que se convirtió en el texto principal de la facultad de comunicación social en algunas universidades de Ecuador y Perú", dice. Hoy, transcurridos 40 años, el libro que relata en imágenes las condiciones políticas, económicas y sociales del continente latinoamericano pasará a formar parte de la colección del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid. 

-¿Cuándo lo contactaron para darle la noticia?

-En octubre del año pasado fue cuando pudimos concretarlo. Hace dos años ya se habían comunicado conmigo, pero a raíz de la crisis en España al museo le recortaron el presupuesto y la adquisición de las fotografías no se llevó a cabo. En 2013 llegamos finalmente a un acuerdo. Ellos me contactaron para decirme que tenían un remanente del presupuesto y en diciembre viajé a Europa y les hice entrega de 24 fotografías hechas para el fotolibro Para verte mejor América Latina. Pero eso no es lo importante, aquí la noticia es que la fotografía latinoamericana dejó de ser la oveja negra de la familia. 

-¿Dice entonces que la fotografía no recibe la importancia debida?

-Sí, aunque alrededor del mundo ya sonaban algunos nombres de fotógrafos reconocidos como Álvarez Bravo, de México, y Sebastião Salgado de Brasil. En los últimos años, los libros de Martín Parr, Horacio Fernández, y el trabajo de Alexis Fabre desde la editorial Toluca, le han dado protagonismo a la fotografía, pero todavía nos falta. 

-Y en Venezuela... ¿cómo ve el desarrollo y el impulso de la fotografía?

-Como todo. Se ha convertido en una cosa más que ha caído en la falta de interés, olvidada y abandonada por parte de la cultura oficial. Allí estaba el proyecto de hacer un museo de fotografía y no se hizo. La Fundación Centro Nacional de Fotografía de Venezuela (Cenaf) es como si no existiera y en los museos ya no hay exposiciones fotográficas. El año pasado, la muestra que hicieron de René Burri fue basada en unas imágenes que tomó al Che Guevara. Tampoco el Estado se interesa en adquirir obras. Yo particularmente vendí el 85% de mi obra afuera, aquí si acaso un 5%. 

-La fotografía siempre ha sido el arma política del poder, ¿no le parece?

-Siempre. Pero para este gobierno la cultura es 'la revolución'. Aquí las manifestaciones artísticas pasaron a segundo-tercer plano. Basta con ver los museos. En el país la fotografía sirve para rellenar huecos nada más. Fíjate en el oficialismo, como la usan en favor de sus intereses políticos... aunque eso es normal, todos los gobiernos lo han hecho. Victoria De Stefano me dijo una vez: 'La foto es la mejor arma para blanquear a los verdugos'. 

-¿Sabe algo acerca del estado de los archivos fotográficos en Venezuela?

-Sé que la Biblioteca Nacional tenía un buen acervo fotográfico, ahora no sé más. No hay registro de nada de lo que existe en estos momentos. 

-Usted llegó a Venezuela en la década del 50, un país de oportunidades. Hoy parece que los artistas no corren con la misma suerte...

-Yo me instalé en Caracas en 1955. Comencé a trabajar con mi hermano arquitecto, Graziano Gasparini, haciendo fotografía de la arquitectura venezolana. Él me introdujo en ese ambiente cultural que era muy vivo y pujante en esos años. Carlos Raúl Villanueva estaba terminando la Ciudad Universitaria, el Museo de Bellas Artes estaba bajo la dirección de Miguel Arroyo, sonaba el fotógrafo Alfredo Boulton... eran los años de la modernidad. Hoy ese interés de hacer de Venezuela una potencia, se ha perdido.

-En estos momentos, ¿qué imagen ilustra al país?

-Mi fotografía es urbana. En mis imágenes hay graffitis, publicidad y todo lo que acompaña a la gente en la calle. La calle te habla. En las últimas imágenes que he sacado de Venezuela aparece una mujer sobre una casa que se está cayendo e inevitablemente la imagen de Hugo Chávez está incluida. 

-¿Esta imagen estará incluida en un nuevo proyecto este año?

-Ahora estoy armando un libro con fotografías de Caracas. Una revisión de mi archivo que llamaré Revol-ver, editada por Álvaro Sotillo. Me recuerda a Paul Strand, maestro y amigo, quien luchó toda su vida por los ideales socialistas y para que la fotografía fuera aceptada en los museos y adquirida por su justo valor. Ahora el socialismo está en los museos, la fotografía en el supermercado del arte y las fotos en las subastas. 

29 de diciembre de 2013

En el Centro de Investigaciones Populares (CIP), como resultado de un largo y profundo trabajo de análisis cualitativo hermenéutico sobre numerosas historias-de-vida de venezolanos populares, expuesto en varias y bien aceptadas publicaciones, hemos llegado a la conclusión de que la mujer de nuestro pueblo no se concibe a sí misma, ni se vivencia ni se identifica en cuanto individuo de la especie homo, como diría un biólogo moderno, sino como madre en lo más hondo de su sentido de sí. Este es un dato y significado de la experiencia, un acontecimiento de mundo-de-vida y cultura, entendida ésta como la manera integral que tiene de existir un pueblo...Frida Añez en plena década de los 50 en una Valencia, ciudad pacata y de crítica fácil enseñó que no siendo de la valencianidad dominante, se puede ser una mujer plena, exitosa en sus objetivos, que logra metas difíciles en donde realizó su trabajo, pues tanto en la cultura no ha habido personaje de la importancia de ella en Carabobo, y en la industria, todos recuerdan la época en la que junto a su esposo el Ing. Janos Magasrevy, hicieron de la Corporación Cerámicas Carabobo una empresa exitosa que ha decaído desde que ellos se retiraron de sus Gerencias General y de Administración, en el comienzo de los años 2000...

A vueltas con individuo y relación

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En el Centro de Investigaciones Populares (CIP), como resultado de un largo y profundo trabajo de análisis cualitativo hermenéutico sobre numerosas historias-de-vida de venezolanos populares, expuesto en varias y bien aceptadas publicaciones, hemos llegado a la conclusión de que la mujer de nuestro pueblo no se concibe a sí misma, ni se vivencia ni se identifica en cuanto individuo de la especie homo, como diría un biólogo moderno, sino como madre en lo más hondo de su sentido de sí. Este es un dato y significado de la experiencia, un acontecimiento de mundo-de-vida y cultura, entendida ésta como la manera integral que tiene de existir un pueblo, y no una especulación sin fundamento en hechos (sin que esto suponga el rechazo de toda especulación pues ésta muchas veces viene a ser la culminación más excelsa del pensamiento). Ahora bien, si nos detenemos un tanto en el concepto y el hecho de lo que nombramos madre, nos daremos cuenta en seguida de que madre no es un uno (individuo) sino un dos en uno. No tiene sentido (no es pensable) madre sin hijo. Al decir madre, estamos diciendo una relación-en-dos (no de dos) o un dos-en-relación y no un uno en sí, un individuo. La realidad concreta de nuestro mundo-de-vida popular nos muestra así lo que aquí he designado con el nombre de persona, una relación que en cada caso real particular es distinta de toda otra y por ende singular (no individual) y original. Análogamente, lo mismo habría que decir del hombre en el mundo-de-vida popular pues su identificación de fondo es el autovivenciarse como hijo.
No se trata de contraponer individuo a persona, sino de distinguir y buscar la conceptualización más adecuada a la realidad concreta del hombre distinguiéndolo de los demás seres vivos e inertes del universo que bien pueden ser concebidos como individuos de algo. La manera de pensar dominante en una civilización en un momento de la historia elabora un concepto de hombre según las prácticas que en esa civilización y en ese momento predominan. Ese concepto está en función de esas prácticas, de los consiguientes intereses, de los fines conscientes o no que ella persigue, del ejercicio de los poderes en su tiempo y de la dinámica o lógica interna que la rige.
Cómo se piensa al hombre en un mundo y un tiempo tiene consecuencias prácticas de todo tipo (políticas, económicas, educativas, religiosas, etc.) para la vida de los seres humanos en concreto.
El mundo que vivimos hoy, y las ideas con las que sus dirigentes lo rigen, tanto en un proyecto revolucionario como en cualquier otro, es producto del pensamiento que se ha formado sobre el hombre durante el desarrollo de la burguesía como grupo dominante en nuestra sociedad, tal como ya he expuesto en anteriores artículos. Pero, al margen del pensamiento dominante, se dan maneras de vivirse y pensarse, distintas (ni pre ni post) que han sido producidas desde las prácticas y experiencias de otros mundos-de-vida. Este es el caso del pueblo venezolano, según nos lo muestra el trabajo de investigación con modos de acercamiento a su realidad más actuales y más adecuados a la complejidad de la vida humana en toda su integridad.
En concreto para nosotros hoy esto quiere decir que las actuaciones en la política, en el ejercicio del poder, en la economía, en eso que hoy se llama ingeniería social, en la educación y en todo lo que constituye las dinámicas sociales dirigidas desde el Estado, tanto en el campo revolucionario como en el de la oposición al mismo, siguen rutas completamente externas a las que podrían trazarse desde las vivencias, identificaciones y distinciones propias de nuestro pueblo

ALEJANDRO MORENO

Psicólogo, filósofo, teólogo y Doctor en Ciencias Sociales. Profesor de la UCAB y director del Centro de Investigaciones Populares en Caracas

Al revisar lo más destacado del año en el área, los especialistas coinciden en afirmar que, a pesar de la crisis económica, los artistas del país se esforzaron para no bajar la guardia

Los 12 de 2013: Plástica

La artista Lucía Pizzani | Foto: Raúl Romero
La artista Lucía Pizzani | Foto: Raúl Romero
Al revisar lo más destacado del año en el área, los especialistas coinciden en afirmar que, a pesar de la crisis económica, los artistas del país se esforzaron para no bajar la guardia  
1 Los 90 años a todo color de Cruz-Diez

Al hacer una evaluación de lo más destacado en el mundo de la plástica nacional durante 2013, los especialistas consultados –­la curadora de arte contemporáneo y columnista del diario El Nacional Lorena González, así como los directores de las galerías Carmen Araujo Arte y GBG Arts, entre otros– coinciden en afirmar que la celebración de los 90 años de Carlos Cruz-Diez fue sin duda uno de los grandes motivos de celebración del año. “Es uno de nuestros artistas de la modernidad más importantes. El aniversario estuvo acompañado de múltiples reconocimientos y exposiciones que ayudan a seguir divulgando su obra”, expresó la directora de la Sala Mendoza, Patricia Velasco. En el Museo de la Estampa y el Diseño Carlos Cruz-Diez se exhibieron publicaciones e ilustraciones hechas por el creador entre 1948 y 2009. En el hotel Tamanaco mostraron una faceta desconocida: fotografías en blanco y negro que el maestro tomó a partir de 1948. El Centro de Arte Daniel Suárez presentó una colectiva para rendirle homenaje. El festival Por el medio de la calle le dedicó su más reciente edición y, en una actividad paralela, se recuperaron los pasos peatonales de la obra Inducción cromática, creada por el artista en 1991.

2 El arte venezolano viajó a España
La Colección Patricia Phelps de Cisneros llevó 180 obras al Museo Reina Sofía de Madrid, que fueron cedidas en comodato a la institución. De ese grupo, 62 son de artistas nacionales. La invención concreta fue el título de la exposición curada por Manuel Borja-Villel y Gabriel Pérez Barreiro, que incluyó piezas elaboradas entre los años cuarenta y sesenta del siglo pasado. Los visitantes disfrutaron desde enero hasta septiembre de las creaciones de Héctor Fuenmayor, Alejandro Otero, Gego, Jesús Soto y Carlos Cruz-Diez, entre otras. “Buscamos promover una mayor apreciación de la diversidad, la sofisticación y la variedad del arte contemporáneo de América Latina”, expresó Patricia Phelps de Cisneros. En noviembre, la galería Odalys en su sede madrileña (inaugurada en junio) incluyó enReconstructivismo 1.0 las obras de importantes representantes venezolanos de la abstracción geométrica y el arte cinético como Mateo Manaure y Arturo Herrera. “La muestra anhela incorporar a los artistas contemporáneos y emergentes herederos de esta tradición pictórica para ponerlos a dialogar con obras de aquellos que protagonizaron la abstracción mundial y la hispanoamericana”, señala Odalys Sánchez en el catálogo.

3 Intercambio con miradas foráneas 
En un esfuerzo por relacionar el arte venezolano con el latinoamericano, varios centros expositivos organizaron exposiciones de gran relevancia. Fue el caso de Nuevos vínculos. Selección de obras de la Trigésima Bienal de Sao Paulo, que se hizo posible gracias a la alianza de tres instituciones privadas: la Sala Mendoza, el Centro Cultural Chacao y la Hacienda La Trinidad Parque Cultural. La muestra a tres tiempos presentó una selección de obras de la bienal curada por el caraqueño Luis Pérez Oramas en 2012. El público tuvo la oportunidad de intercambiar opiniones con los artistas a través de talleres y diálogos con la crítica, la curaduría y la investigación. También sobresalieron otras alianzas como la que estableció Carmen Araujo Arte con la galería Vermelho, con sede en Brasil, que les permitió traer a la artista portuguesa Gabriela Albergaria al país. La pintora desarrolló una propuesta de trabajo a partir de las fotos de especies de árboles que tomó en el Parque del Este, el Jardín Botánico y la Universidad Metropolitana. El resultado, que incluyó dibujos e instalaciones, se presentó en la casa colonial de la Hacienda La Trinidad con el título de No hay tal cosa como la naturaleza.

4 El regreso del Premio Mendoza 
Después de una década de ausencia, la reactivación del Premio Eugenio Mendoza en su duodécima edición fue uno de los hechos más importantes del año. El galardón, que entrega de forma bienal la Sala Mendoza, apoya y estimula el talento de los jóvenes creadores al contribuir con su formación. La artista Lucía Pizzani fue la ganadora con De la desconocida del Sena y otras Ofelias, una obra que reflexiona sobre el suicidio femenino en sociedades tan dispares como la canadiense, la británica, la dominicana y la venezolana. “Es un premio muy importante que han ganado Javier Téllez y Magdalena Fernández. Tiene gran peso, me alegró mucho que lo retomaran y ser parte de este grupo fuerte, bueno y representativo de lo que se está haciendo hoy en día, en el que estaban Suwon Lee, Juan Pablo Garza, Iván Candeo y Starsky Brines”, expresó la artista en una entrevista conEl Nacional. Pizzani, que expone actualmente en Oficina #1 la muestra Mariposario, recibió como estímulo una residencia en Hangar, Centro de Producción e Investigación en Artes Visuales, en Barcelona, España. El jurado seleccionador estuvo integrado por el pintor Adrián Pujol y los curadores e investigadores Lorena González y Gerardo Zavarce.

5 El hombre invisible se escondió en Caracas
El artista chino Liu Bolin estuvo en el país a principios de noviembre para hacer varias intervenciones con su particular estilo de camuflaje. Los espacios de la Galería Freites le sirvieron de taller y de escenario, en los que recreó un stand de cómics. Allí se mimetizó. El creador de 40 años de edad convocó a un grupo de voluntarios para que participara en las series que realizó en Caracas, como una basada en los empaques de harina PAN y otra en billetes nacionales. Lo interesante de su visita, a juicio de los especialistas en arte, es que el público pudo disfrutar en vivo de su proceso de trabajo, una forma de estar cerca de lo que ocurre en el mundo entero y más aún de un exponente como él, que a través de su obra ha criticado aspectos como la pérdida de individualidad en la sociedad actual y la manera cómo el medio ambiente afecta a las personas.

6 En la espera del regreso de la Odalisca
Un nuevo capítulo se abrió en relación con el caso de la Odalisca con pantalón rojo de Henri Matisse, obra que fue hurtada hace más de una década del Museo de Arte Contemporáneo, cuando el Estado venezolano autentificó como verdadera la obra que era ofrecida para la venta en un hotel en Miami, en julio pasado. Con este paso se inicia el proceso de repatriación. Se espera que la pieza llegue al país en el primer trimestre del próximo año.

7 La despedida de la Velada de Santa Lucía
Después de 13 ediciones, la Velada de Santa Lucía que se celebraba en Maracaibo llegó a su final. Su creadora, Clemencia Labin, tomó la decisión porque ya no podían crecer más. “Se marcha Santa Clemencia, pero a la comunidad le queda su Santa Lucía”, dijo la artista. A pesar de la despedida, quedó el legado. En Alemania, por ejemplo, un grupo de artistas venezolanos replicaron la actividad en un taller, un hotel y el garaje más antiguo de Hamburgo.

8 Buenas noticias desde el extranjero
La actuación de los artistas venezolanos en el extranjero fue una bocanada de aire fresco para el sector. La obra de Alexander Apóstol, por ejemplo, se afianza al entrar en la colección del Centro Georges Pompidou, en París. También fue relevante la participación en ferias internacionales como ARCO-Madrid, Arte Lima-Perú, Art Bo-Colombia, Art BA-Argentina, KIAF-Korea, IAAF-Korea, Art Basel y Pinta. El curador Miguel Miguel García destaca, además, el trabajo de varios creadores que viven en otros territorios: “Están haciendo fuera de Venezuela una obra de singular importancia. Personas como José Gabriel Fernández, en Nueva York; José Antonio Hernández-Diez y Meyer Vaisman, desde Barcelona; Víctor Lucena en Italia, y Arturo Herrera y Javier Téllez, desde Berlín, entre otros. Ellos son parte del exigente y exclusivo circuito internacional del arte”.

9 PhotoEspaña reconoce talento de Venezuela
Como una forma de reconocer el trabajo fotográfico que se hace en el país, PhotoEspaña, uno de los más importantes festivales del mundo, incluyó a Venezuela para participar en el Visionado de Portafolios. La oportunidad se dio gracias al esfuerzo conjunto entre la Oficina Cultural de la Embajada de España en Venezuela, el Centro Cultural Chacao y el Centro de Estudios Fotográficos-CIEF. De esos encuentros seleccionaron las mejores imágenes, que formarán parte de una exposición que se llevará a cabo el próximo año. Como parte de las actividades, los organizadores también trajeron al país la exposición (Re)presentaciones. Fotografía latinoamericana contemporánea, que se exhibe en La Caja y que es el resultado de los visionados hechos en México y Costa Rica durante el año pasado.

10 El pop art tejió diálogos
La sala de exposiciones del Centro Cultural BOD-Corp Banca presentó una muestra colectiva de pop art, en la que dialogaron obras de artistas venezolanos y estadounidenses. La curadora María Luz Cárdenas reunió un grupo de piezas representativas, la mayoría de los años setenta. Los visitantes pudieron admirar el arte de Robert Rauschenberg, Larry Rivers, Robert Indiana y Tom Wesselmann, así como el de Rolando Peña, Marisol Escobar y Pedro León Zapata.

11 Controversial participación en Venecia
Simón Bolívar y Hugo Chávez en versión grafiti formaron parte de la propuesta del pabellón venezolano en la 55° Bienal de Venecia. En lugar de artistas de renombre, el Estado prefirió mostrar las creaciones de cerca de 25 colectivos anónimos. Una decisión controversial que dividió no solo a la burocracia del Ministerio de la Cultura, sino también a los propios creadores urbanos, que consideraron que lo que se llevó allí no era la mejor cara de esa subcultura.

12 Cambios gerenciales e incertidumbre 
El año cierra con cambios importantes en el sector, encabezados por la designación de Edgar González como presidente de la Fundación Museos Nacionales. El diseñador gráfico, que se mantiene al frente del Museo de la Estampa y el Diseño Carlos Cruz-Diez, expresó que durante su gestión se dedicará al diseño de políticas claras en cuanto a qué desea llegar a ser la fundación. Otro movimiento importante fue la renuncia de Diana López a la presidencia de Cultura Chacao, después de 11 años de trabajo. La gestora cultural expresó que se dedicará a asesorar a otras alcaldías, entre ellas la de El Hatillo. El cierre de Periférico Caracas también causó mucha expectativa. El espacio será sustituido por Espacio Monitor, que dirigirá Miguel Miguel García. La sala será inaugurada el 16 de febrero con una exposición del artista mexicano José Dávila.

22 de diciembre de 2013

Cuando leí el titular en primera página del Diario "El Universal" de fecha 17 de diciembre 2013: "Obra de Cruz Diez se pierde paso a paso" y luego el reportaje de Nadeska Noriega Avila en la pág.3-2, inmeditamente ratifiqué lo que espero con este blog, que la obra que realizó desde 1950 hasta el 2000 Frida Añez en Carabobo, que no es visible como la del maestro Cruz Diez, sino de mecenas y "doña de la cultura en Carabobo" según expresión de Luis Cubillán Fonseca, no se pierda también paso a paso en el olvido, como lo vemos los que aún estamos en esta Tierra Gracia, por la desidia de gobiernos que desconocen el arte y silencian lo patrimonial, cuando no maltratan con sus gestos y omisiones presupuestarias para el mantenimiento de las obras de arte que existen en el país...

“El arte es el más bello, más eficaz y más noble medio de comunicación que el hombre ha inventado”. Carlos Cruz-Diez
Carlos Cruz Diez Foundation



                                                                        ASI ERA

Poco a poco desaparece obra de Cruz-Diez en Maiquetía

El policromático piso del Aeropuerto un muestra avanzado deterioro

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Mosaiquillos levantados, grietas, abultamientos y desgaste general se observa de la pieza de arte CRUZ SOJO
NADESKA NORIEGA ÁVILA |  ESPECIAL PARA EL UNIVERSAL
martes 17 de diciembre de 2013  
Maiquetía.- Es un ícono, un símbolo del principal aeropuerto del país. Quienes llegan o van por la terminal internacional del Aeropuerto Simón Bolívar de Maiquetía reconocen en el pasillo principal, y en dos de sus paredes, de vibrantes colores secuenciales que es claramente una pieza de arte cinético. Algunos ignoran que la obra es del maestro Carlos Cruz-Diez, quien en el afán de diseñar piezas de carácter utilitario desarrolló la Cromointerferencia de color aditivo, 1974-1978, que desde hace 35 años ha visto millones de pisadas e innumerables equipajes.

Sin embargo, lo que hoy llama la atención a los viajeros, no es el patrón multicolor, o la importancia mundial del artista venezolano, o la historia del piso por el que transitan; sino el deterioro que presenta y parece aumentar con el pasar de cada temporada.

"Esta es una obra de arte espectacular. Uno regresa a Venezuela y lo primero que te recibe es la obra de Cruz-Diez, un hombre del que cualquier venezolano puede presumir ser su compatriota. Es una vergüenza regresar y conseguirlo deteriorado. Somos un país que no valora el arte. Lo mismo pasa con el mural de Zapata en el Universitario y con cientos de otras obras que no recuerdo", comenta la venezolana Regina Espinoza, quien regresaba de España a pasar las festividades con su familia.

El deterioro va por diversas dimensiones. En un recorrido se pueden visualizar 23 espacios con mosaicos despegados. De estos, por lo menos ocho, son de gran envergadura. También se observa el desgaste, fracturas y fisuras de diverso espesor, así como zonas con abultamientos. Al transitar por el pasillo se puede ver como al impacto de un equipaje grande con ruedas, una diminuta losa azul se desprende. "Eso pasa a diario. Siempre puedes conseguir un mosaiquito desprendido. Creo que el piso no estaba preparado para esos maletones y tanta carga", asegura uno de los trabajadores que plastifica equipajes.

"Como venezolano esperamos que se haga el mantenimiento correctivo necesario al aeropuerto de Maiquetía y a esta pieza. No puedo ni imaginar que corra la misma suerte del muro del Puerto de la Guaira", dijo Adolfo Castillo, quien se dirigía a Miami, refiriéndose al Muro de Inducción Cromática, derribado mandarriazos por la administración portuaria en 2006.

Otros no se sorprenden, pues es común la falta de mantenimiento. "En 15 años, la obra de Cruz-Diez en los silos del Puerto de La Guaira (Cilindros de Inducción Cromática, 1975) no ha recibido mantenimiento. Lo dejan perder de a poco", agrega la vecina Lorena González.